埃里克·约翰逊 (Erik Johansson)，瑞典摄影与视觉艺术家。对埃里克而言，摄影就是一场由快门引发的捕捉创意的旅程。在他的创作中，卷曲成纸片的地面、被拉链“打开”的湖面、连接成莫比乌斯环状的楼宇……一切看似荒诞的设定，最终都将凭借精确的蒙版切割、规范的透视校正与光影匹配，达成一种合乎常理的物理现实感——近乎于梦，近乎于潜意识的“伪纪实”，而这正是超现实主义的核心。

1985年，埃里克出生于瑞典中部一个名叫约特纳（Götene）的小镇。受身为画家的外祖母的影响，他自小喜爱绘画，但与此同时，他也迷恋电脑。15岁时，埃里克得到了人生第一台数码相机，从此打开了一个全新的世界。2005年，埃里克搬到了哥德堡，并前往查尔姆斯理工大学学习计算机工程。在学习期间，他对修图产生了兴趣，之后便逐步发展出了先在脑中构建完整画面，再通过实地拍摄素材，最终通过后期合成，来实现视觉逻辑统一的工作方法。

如果将埃里克的超现实世界比作一座桥，那么桥的一端必将锚定在银盐时代的暗箱里，而另一端则悬浮于数字算法的像素云层之上。站在这座桥上俯瞰，人们将会看见有关摄影与图像的历史之河正在经历一场倒流—— 数字技术的浪潮并未冲垮传统的视觉成像，反而将暗房巫术与化学诗篇冲刷得愈发清晰。

尽管埃里克并未继承拼贴、多重曝光、负片叠加等暗房技术，但他的超现实却是在大量实景拍摄、后期制作与精密像素编辑的基础上，颠覆观看者对“真实”的认知惯性。某种程度上，埃里克犹如一名在技术狂潮中找回某种原始手工性的造物者，他利用影像编造“谎言”以抵挡现实中的种种魔幻，并将潜意识表达升级为可计算的幻觉，而最终言说岁月之真。

值得一提的是，埃里克一直坚持使用相机来捕捉视觉素材。他曾说：“如果你真的捕捉到它，就没有人会告诉你它看起来不真实。”在一个批量生产视觉快餐的时代，他甚至会花费数月时间去人工缝合现实与幻想的裂隙，而这种缓慢又何曾不是一种先锋式的反叛。那些悬浮在他作品中的岛屿、倒流的瀑布、反复出现的冰川与森林，既暗示技术时代人与自然关系的断裂与重建，同时也变相成为了即时视觉消费的减速带：真正的凝视需要时间的发酵，艺术与人的深层联结则更需要时间的沉淀。

随着相机分辨率与摄影技术的推成出新，埃里克一方面比以往任何时候都更努力地捕捉现实的细节；另一方面，这些细节又会成为其虚构世界中可触摸的悖论。那些由蒙太奇拼接而成的倒影、凉意、夜晚与光，恰似一扇画在墙上的假窗，而窗外则是意外飘来的真实的风声。这或许就是埃里克迷人的地方：他的创作为“真实”保留了一片暧昧地带，在那些看似完美的乌托邦里，在既非纯粹的现实摹写，也非完全的虚拟构建中，他用技术的绝对理性，酿造出了一种非理性的醉意，以及一道通往真实世界的暗门。

此次展览所展出的几乎都是您的近期新作。这批新作与您五年前的创作相比，在主题与表现手法上有何异同？

在过去的五年里，我的作品在主题和技术上都有了新的发展。虽然我一直被“扭曲现实”的概念所吸引，但近期的作品更侧重于内省、反思以及对时间的感知。在技术上，我精进了后期制作技巧，以实现摄影元素之间更加无缝的融合，既增强了现实的幻觉感，又保留了梦幻般的质感。与此同时，我还开始创作动态作品，这也是这一探索过程的一部分。

您的创作总是通过拼贴重构日常场景，来颠覆人们对于现实的想象。这种“颠覆现实”的创作冲动源于哪些灵感或思考？

我改变现实的创作冲动源于童年的好奇心，以及渴望看到超越物质存在的事物的愿望。白日梦、故事和日常生活中隐藏的可能性都给了我灵感。世界常常显得过于结构化和可预测，而通过艺术创作，我可以探索挑战人类感知的另类现实。

您的作品常模糊了摄影与数字艺术的界限，能否分享一件展品的创作过程？

就拿此次展览中的《河流酒店》（River Hotel）来说吧，它始于一个简单的想法——将“河畔酒店”转变为“河流酒店”，这个想法也部分回应了当下对气候变化的现实，但也反映了人们不断适应新环境的能力。

在创作过程中，我先是拍摄了瑞典的一个瀑布，这实际上是瑞典最大的瀑布之一。然后，我在布拉格拍摄了人物和建筑。最后，我将它们全部融合成在一起。对了，我还在现场拍摄了瀑布的视频，以便创作出这次在展览中所呈现的动态版本。

您曾说“创造一个真实场景的最好方法就是直接拍照”。随着AI、VR、AR等新一代技术工具的产生，您还这么认为吗？

是的，我仍然认为创造现实的最佳方式是通过摄影。AI、VR和AR提供了令人着迷的可能性，但它们是在生成而非捕捉。摄影捕捉的是有形的东西，而AI则是通过算法构建。我将这些工具视为补充而非替代，但我自己不会在作品中使用AI生成的图像。我认为创作过程需要时间，并非一切都应该那么容易。

当现实场景被数字化重组后，您认为其“真实性”是否依然成立？

一个场景的真实性并不取决于它是如何被创造的，而是取决于它所传达的情感和思想。现实是主观的——我们对真实的感知是由记忆和情感塑造的。我的作品介于现实与虚构之间，为观众提供了一个可以解读真相的空间。

您会通过哪些日常训练保持对创意、对现实与感受的敏锐度？

我通过不断观察周围环境来保持敏锐的创作感觉。我几乎每天都在自我挑战，寻找日常生活中的隐藏构图。我还常常玩弄具有双重含义的词语，比如“reflect”既可以指思考某事，也可以指光学上的“反射”。这些训练往往能让我引发出新的创作灵感。

如果要您选择一个词语，来形容自己的创作，您会说？

我的作品既包含理性思考，也充满情感共鸣。我希望我的图像能让人们思考，但更重要的是，我希望它们能引发某种情感。因此，如果要用一个词来形容我的作品，那就是“沉思”。

若观众仅剩5分钟观展，您会建议他们站在哪件作品前？

如果观众只有五分钟的时间，我会推荐他们站在作品《当下即所有》（All We Have is Now）前。这件作品体现了展览的核心——它质疑了感知、时间和存在。我希望我的作品能促使观众停下来，反思当下的时刻。