在博览会的火爆人潮中遇见作品里的平静与力量。

第十三届ART021上海廿一当代艺术博览在11月如约而至，作为汇集全球顶尖画廊、艺术家与藏家的艺术平台，每年ART021 SHANGHAI都成为洞察当代艺术市场的风向标，立足自身文化传统，探索当代艺术的视觉语法。

本届艺博会来自22个国家及地区，50个城市和141家参展画廊与项目，34家海内外画廊是首次亮相，带来生机勃勃的多元艺术图景。首日VIP预览，云集诸多藏家与艺术从业者，大家对市场期待保持乐观积极，比起收集“名字”或“尺幅”，更为理性，注重作品的收藏潜质。

截止发稿，画廊总体销售的表现相对稳定，基本符合预期，机构和私人收藏均有购入，其中部分画廊表现亮眼，甚至当日售罄，另外有许多作品处于预售或洽谈阶段。

重要画廊多半携明星艺术家重磅登场：截至发稿，贝浩登画廊已有约半数作品处于预留状态，村上隆的《Pastel Purple》以28万美金成为展位最贵展品；梅隆赫画廊带来乌戈·罗迪诺的《黄色粉色山》，以18万美金成为目前成交价最高的作品；里森画廊今年首次参展ART 021SHANGHAI，带来安尼施·卡普尔超过800万的标志性作品压阵，希望借助平台吸引年轻藏家的瞩目；德玉堂带来价位跨度从几万到几百万的作品；蜂巢艺术中心已售出近30件作品，其中作品价格最高为张英楠《履痕》；頌艺术中心售出10多件作品；蓝骑士画廊采取量少质精的策略，展出作品价格约在70万人民币以内；BANK画廊展出的作品在首日售罄。首次参展的深圳画廊PETITREE初次亮相，带来收藏价格更具亲和力的年轻艺术家作品，价格在数千元至十万元人民币区间。

在去除“泡沫”之后，画廊和藏家都表现得更为务实，重视自我积淀与共同成长，收藏也呈阶梯式排布：10万以下的作品对于新兴藏家开启艺术收藏提供友好的迈入门槛，与此同时50万以内的作品关注度正在稳步上升，适合对市场有一定经验的藏家建立收藏系统。

精彩作品让人眼花缭乱，在缤纷的视觉暂留之后，东方精神气质的作品凸显出来，彰显出独特且深厚的文化底蕴。从中生代到90后的年轻人，不少中国艺术家在用东方传统美学付诸于抽象艺术的实践，以当代方式诠释文化根性，西方艺术家在旅居东方的过程中，获得原视野之外的灵感，在作品中带来跨越文化藩篱的新启示。

如果古人玩宇宙

水墨对中国艺术家而言不仅是长久使用的媒介或技法，更是一种蕴含深厚情感的美学精神，东方水墨的精神内核，被艺术家赋予全新气象。“一花一宇宙”的世界观背后，是对时间与空间的终极追问。

孙彦初《水图之一，致敬马远》或唐晖的《崖柏溪流》以综合材料寄情山水，夏俭宁从显微镜观察树叶细胞形态，将微观脉动与传统山水意象叠合；徐累则将图像重新处理融入古典山水空间结构中，《山中月》改写自日本奇石图像志《风化奇石录》，形成跨越文化时空的“寄兴”。

富艺斯带来当代水墨代表性艺术家刘丹的新作《虞美人》，无论是石头或花卉，艺术家为中国山水画重建了物象之外的新秩序，以当代语法释意水墨气韵，表现出超逸的时空意识，在形之外建立微观与宏观的辩证统一。

东方式控制与即兴之舞

周围艺术画廊一直以来秉持长期主义原则，作品气质多半空灵优雅，这次带来梁铨的作品，并与同时期在画廊举办艺术家新个展。作为最早将水墨与抽象创作结合的艺术家之一，梁铨以撕、染、拼贴宣纸的方式，作品中也间或出现茶渍或包装材料洞洞纸，造成层叠的水墨晕染效果。

陈墙的抽象实践结合了中国传统宣纸、油墨与西方亚麻帆布和涂料，使画面在主观控制与即兴之间，笔触或短促密集，或松散游离，色彩自然流淌、堆积、交汇，“游弋”在秩序与偶然之间。

物性的重量

东方美学中的“物性”与“时间性”是极其微妙的，艺术家在作品中展示时间堆叠的重量，作品中保留绘画痕迹，将创作视为对生命与存在的深层探索。他们通过色彩层次、肌理以及材料本身的性质综合表述，创造安静有张力的结构，不追求视觉刺激，而是营造一派气韵生动。

年轻艺术家一文在绘画中持续以自然、有机体为创作母题，从植物到螺壳，软体动物壳上的每一道螺旋和等角螺线，都会触发她与象征洪荒世界古老生物的对话，以表现自然生命的隐秘轨迹与人类行为痕迹相互交织的探讨。

汤嘉欣以针刺纸张的行为，构建重复式的阵列式痕迹，记录自己的身体节奏与心境变迁，作品融合《孙子兵法》与《易经》哲学，探讨破坏性与脆弱性的动态平衡。

沈忱推动实验水墨及其概念的抽象艺术早在80年代就已开始，艺术家的用笔起源于传统书法，他用自己发明和组装的长柄毛刷在平铺于地面的画布上，冥想式劳作般均匀涂绘出数十层的丙烯颜料，在轻重缓急的运笔中，笔触之间的重叠或间隙构成疏密有致的线条，抽拨出不同色域的墨色，形成“留白”的极简主义美学格调。

古老的漆艺近年来被很多年轻艺术家运用到自己的作品中，大漆的“不确定性”也是它任性有趣的脾性之一，使用大漆的艺术家都有意识地将其与时间的生命感联系在了一起。郭天天的创作以天然大漆为主要媒介，作品基于中国传统大漆的复杂工艺，运用螺钿、皮革、金属等材质，藉由色彩的共振、声乐的纹理与历史意识的交织，借由视觉、听觉与触觉的多层次感知，体现东方美学中“通感”与“物哀”。

旅居东方燃起的热情

东方的当代艺术命题，早已从符号的堆砌或简单的复古风格，回归到那些根本性的美学命题：人与自然，神话与现实，东方与西方……

申京美在作品中经常借用东方的符号体系挑战西方话语体系中对“东方”的刻板印象，仙鹤与蛇的传统图纹勾勒出家庭相册的情感记忆，探究着亚裔离散经验的多面性。解群的作品则涉及对“东方主义”的反思，用紫砂陶、紫铜、纸上水墨等综合材料，构筑张力，虚构历史视线之外的肉身神话，作品的叙事都基于长期的田野调查，探讨东方古老传统与现代社会之间的脱节问题。

作为有留学背景的国人，曾以“异乡人”的身份进入陌生文化，再返回故乡从事创作，再进行的反思，重新观看自己的文化与传统，已然转换了思维方式，不同文化的碰撞中，会跳出之前的思路，重访自身文化传统，从“只缘身在此山中“到“见山还是山“。

齐倬留法多年，返回国内后，开始深入研究佛像历史，重塑当代艺术语境内的佛教形象。“泡泡游戏”系列是他对多元文化的思考，艺术家探索陶瓷、玻璃、金属等材料的不同组合，以看似“修复”的方式解构仿南北朝的佛像雕塑，吹制的彩色玻璃泡泡成为造像的修复“底座”， 用缝合的方式重新解读历史“残缺”。

对于蔡雅玲而言，“从自己的土壤里扎根，能够寻找更多的灵感与智慧。”中国的哲学对性别问题的观点带给她一些启示，她在巴黎驻留期间，加深了对此的感悟。在吹制玻璃花卉中，开满花的枝条从传统花器中探出来，嵌套的中空结构以及色彩的层次让瓶花显示出中式插花的古典美。东方美学爱借物喻人，艺术家用花瓶与花比喻女性内心，关注身体如何与意识链接，使用混合媒材的绘画与之相辅相成，描绘亲密关系中或迷人或令人伤感的记忆碎片。

本杰明·斯皮尔斯在台北艺术驻留之后创作《余痕》，他的多数画作都是怪诞面貌和超现实情景，这幅却是黑暗中泛着微光的花卉，花瓣卷曲，正在凋谢。这件作品描摹出一种东方对于生命的超然态度，从含苞、绽放到枯萎落地，不外乎是生命循环往复的自然规律，也承载对“无常”的理解。

通过个人化的语言与跨文化视野，艺术家们重新诠释文化传统，让作品深入到方法论、哲学观和世界观的层面，转而向内心凝视。东方美学始终代表着连接过去与未来的路径，指向对时空的终极提问，这是一种内向而深邃的创作方法，质朴且充满哲思。